Future Horizons
Glas in der zeitgenössischen Kunst

Auf zwei räumlichen Ebenen präsentierte Future Horizons Werke, die aus der Studioglasbewegung hervorgegangen sind, wie aus dem Feld der zeitgenössischen Kunst. Durch die Auswahl der Exponate und die Ausstellungsarchitektur eröffneten sie, so der kuratorische Hintergrund, zwei Gedanken- und Resonanzräume: In der BlackBox – weit und dynamisch, hell und energetisch – befanden sich die Skulpturen, meist silbern, transparent, weiß oder schwarz, frei im Raum, liegend auf dem Boden oder schwebend von der Decke. Andere, von kleinerem Format, reihten sich in einer „endlosen“ linearen Choreographie aneinander: wie SILVER LININGS. VISIONS erschienen sie am spiegelnden Horizont.

Im BlackBox FirstFloor überraschte mit der Entfaltung der Objekte in einer reichen Palette von Farben, ob Blau, Grün, Gelb oder Pink und mit einem anderen Design: ABUNDANCE. EXPANSION OF THE MIND, so ließe sich dieser Raum überschreiben.

In ihren unterschiedlichen Energien und „Temperaturen“ luden beide Ausstellungsebenen das Publikum zur „Bewegung“ ein, zur körperlichen Erfahrung des Umhergehens, des Flanierens: in erster Linie, um die Kunstwerke zu betrachten, aber auch sich selbst – in Beziehung zum Werk und in Beziehung zum anderen zu setzen – und so durch Bewegung und Spiegelung Teil des Ganzen zu werden.

Das Design der Ausstellung, gestaltet von dem Berliner Büro Bruzkus Greenberg, nutzte den Vorteil zweier Ausstellungsräume durch unterschiedliche Farbgebung – in der BlackBox bewegten sie sich zwischen Silber und Schwarz, im BlackBox FirstFloor explodierte die Farbe. In beiden Etagen endete der Galerieraum mit verspiegelten Flächen, die die Wahrnehmung der Räume verdoppelten. Die Architekten wollten, dass die Besucher*innen in den Horizont blickten und die Werke im Fluss der Zeit betrachteten und nicht nur einen Blick zurückwarfen. Die Spiegel in den Vitrinen schienen zudem das Raumgefühl über die Wände der Galerie hinaus zu erweitern und spielten mit der Perspektive und der Wahrnehmung der Raumgrenzen. Eine scheinbar unendliche Nische entlang der rechten Wand konnte man abschreiten, in dem grausilbernen und mit Spiegeln als Hintergrund gestalteten Bereich befanden sich Werke von einzelnen Künstler*innen. Die Reflexionen luden die Besucher*innen ein, das einzelne Objekt im Kontext des gleichzeitig sichtbaren Raumes dahinter zu betrachten. Die Spiegel schufen einen grenzlosen Raum. Sie transformierten die Idee der Ausstellung in die Architektur; sie waren eine räumliche Metapher für die Offenheit gegenüber zukünftigen Horizonten.